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Le Jeu des Ombres est un spectacle à la fois théâtral et musical, qui met en résonance et, si l’on peut se permettre ce néologisme, en « raisonance », le verbe poétique de Novarina et la musique lyrique de Monteverdi, autour du mythe éternel d’Orphée, pour nous proposer une rêverie philosophique sur la condition humaine, d’abord caractérisée par la conscience de l’inéluctabilité de la mort, sur le sens de la vie, et finalement sur Dieu. C’est parce qu’il ne résiste pas à l’envie de voir et de savoir qu’Orphée doit finalement abandonner Eurydice aux enfers, tout comme ce même désir de connaissance conduit Adam et Ève à être chassés du paradis terrestre pour connaître l’enfer sur la Terre. Le sentiment tragique de la vie est en effet lié à ce besoin irrépressible de comprendre un monde qui nous reste pourtant à jamais absurde. La mise en scène très abstraite, presque graphique, de Jean Bellorini, soulignant la poignante humanité des interprètes, jette un pont symbolique entre la partition textuelle de Novarina et celle musicale de Monteverdi. Un spectacle aux allures de cérémonie, fait pour ébranler toutes nos certitudes, et dont on ne sort pas indemnes. Un rendez-vous à ne pas manquer.
Critique de Jean-Pierre Martinez

Distribution

Lien vers le site de la Semaine d’art en Avignon

OCCITANIE FAIT SON CIRQUE EN AVIGNON, 22 chemin de l’île Piot 84000 – Avignon
du 8 au 25 juillet à 12h00- Relâches : 11, 15, 16, 17, 22 juillet

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Le jonglage, comme le cirque en général, est un art de la perfection. A priori, l’erreur n’y a pas sa place. Elle peut même être fatale pour l’artiste en ce qui concerne les numéros les plus dangereux, quand ils sont effectués sans filet. C’est d’ailleurs cette absence de droit à l’erreur qui fait en grande partie l’intérêt du cirque. Le jongleur maladroit, lui, risque seulement le ridicule, qui comme chacun sait peut aussi tuer, au moins symboliquement. Même au cirque, cependant, les clowns sont là pour nous rappeler que l’erreur est humaine et que la maladresse, lorsqu’elle est portée à la perfection, peut aussi être un art : celui du comique.

Avec Mousse, la Compagnie Scratch nous propose un « solo à deux », dans lequel le jonglage fait la part belle à l’humour, au burlesque, à l’absurde et à la poésie. Dans un monde où la concurrence, la course à la performance et la quête illusoire de la perfection s’impose à chacun de nous comme un dogme, ce réjouissant spectacle, fait avec presque rien, est une ode à la créativité et à l’amitié. Il rappelle à nos enfants qu’ils ont droit à l’erreur, et qu’il existe toujours une deuxième, une troisième ou même une quatrième chance, pour peu que les jugements définitifs laissent place à la bienveillance et aux encouragements. Au-delà d’un simple numéro de jonglage, on assiste donc avant tout à un spectacle théâtral, porteur d’un message réconfortant : quelque part entre le sublime de la perfection et le simple chaos se situe l’histoire de l’Humanité, qui n’est faite que de glorieuses tentatives, dont la plupart sont vouées à l’échec, avec l’espoir parfois d’une demi-réussite, sans oublier tous les ratages magnifiques, qui pimentent nos existences ordinaires de moments extraordinaires. Le spectacle vivant est un art de l’imperfection, intégrant par nature l’accident non pas comme une chute mais comme une possibilité de rebond. Un spectacle tous publics, à voir en famille.

Critique de Jean-Pierre Martinez

Interprètes : Gaëlle Coppée, Denis Michiels

Spectacle vu le 10 décembre 2020 au Théâtre des Doms dans le cadre de la journée professionnelle Francophoniriques #5
Lien vers le site de la Compagnie Scratch

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Selon Bergson, le comique surgirait de la déshumanisation du corps. On provoquerait le rire en réduisant l’être humain à une machine devenue absurde, faute d’être pilotée par un esprit éclairé. Mais il n’y a souvent qu’un faux pas du comique au dramatique, et cette dialectique du corps et de l’esprit peut aussi définir le sentiment tragique de l’existence. Une dialectique qui est aussi au cœur du spectacle de « marionnettes », lorsque cet art est porté à son plus haut degré symbolique, comme c’est toujours le cas dans les créations de la Compagnie Deraïdenz.

Avec InKarnè, cependant, parle-t-on d’un spectacle de marionnettes ou d’un spectacle sur la marionnette ? Cette performance, en effet, ne nous donne pas à voir un mannequin humanisé, animé par un manipulateur en retrait. Nous assistons au contraire à un corps à corps entre le manipulateur et sa marionnette, entre l’esprit et le corps, et en l’occurrence entre une danseuse et sa propre enveloppe charnelle. Comme dans la langue, le signifiant est inséparablement lié au signifié pour produire un signe, le corps de la danseuse est indissociable de son esprit pour produire ce moment de grâce, de sensualité et de sens qu’est la danse.

Chacun, bien sûr, sera libre d’interpréter à sa manière ce magnifique spectacle, esthétique et poétique. Quoi qu’il en soit, avec InKarnè, la Compagnie Deraïdenz nous suggère, plutôt que de nous perdre corps et âme dans un douloureux combat avec nous-même, de retrouver la joie de danser notre propre vie en réconciliant le matériel et le spirituel. Pour recouvrer l’espace d’un instant cette fluidité jubilatoire du mouvement qui nous affranchit de la pesanteur de notre humaine condition tragi-comique.
Un spectacle d’une rare intensité, à ne manquer sous aucun prétexte.
Critique de Jean-Pierre Martinez

Interprétation : Marion Gassin
Mise en scène : Léa Guillec
Construction Marionnette et Composition : Baptiste Zsilina
Création Décor : Barbara Fougnon et Salvatorè Pascapé Assistés par Sarah Rieu
Photo: Serge Gutwirth
Production : DERAÏDENZ

Spectacle vu le 23 mai 2021 à la Chapelle du Miracle à Avignon
Prochaines dates : 6, 7 et 8 mai 2022 à la chapelle du miracle à Avignon
Pour suivre l’actualité de la compagnie Deraïdenz  : site web de la compagnie

 

Atypik Théâtre, 95 rue de la Bonneterie, 84000 Avignon
Du 7 au 31 juillet 2021, à 20h20 (relâche les mardis)

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Pas facile de ranger Moone dans une case bien définie. En tout cas, ce n’est pas celle de la variété française. Même quand, en l’absence du guitariste et du batteur, la formation est réduite à deux artistes, on n’a pas le sentiment d’assister au récital d’une autrice compositrice, mais bien au concert d’un groupe, qui nous propose un voyage dans un univers folk-rock, mêlant les influences françaises, anglo-saxonnes et orientales. Dans la version acoustique en duo à laquelle nous avons assisté pour cette sortie de résidence, la chanteuse, merveilleusement accompagnée par son contrebassiste, joue aussi de la guitare et du bouzouki. Sans oublier une touche discrète de musique électronique. Mention spéciale au régisseur pour la très grande qualité du son, permettant de profiter pleinement de cette magnifique proposition, dans l’espace très intime de ce petit théâtre, où le spectateur est en contact direct avec les artistes. Une parenthèse musicale enchanteresse pour les amateurs de théâtre pendant le festival. Moone nous promet la lune, on la quitte à regret avec des étoiles dans les yeux.
Critique de Jean-Pierre Martinez

Moone : chant, guitare, synthétiseur, bouzouki
Patrick Cereghetti : contrebasse, bouzouki

Vu le 29 mai 2021, en avant-première du Festival d’Avignon

Spectacle vu le 6 juin 2021, au Théâtre du Balcon, à Avignon (10 ème anniversaire de la mort de Jorge Semprùn)

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Ma patrie, c’est le langage, dit Jorge Semprún, qui écrivait aussi bien dans sa langue maternelle, l’espagnol, que dans celle de son pays d’adoption, le français, ou encore en allemand, langue apprise dans son enfance, et qu’il eut hélas l’occasion de pratiquer plus tard en déportation. L’histoire de cet homme exemplaire habité par le langage, résistant dans plusieurs pays et écrivant en plusieurs langues, c’est donc l’histoire de l’Europe, de son identité et de sa diversité, de sa culture commune et de ses déchirements barbares, jusqu’à sa difficile et fragile construction. À travers la fragilité de cette lecture, pour reprendre l’heureuse expression de Serge Barbuscia, ce spectacle à trois voix, illustré d’extraits d’archives et de films, évoque le destin tragique de l’Europe, et l’espoir d’un avenir apaisé. Le ventre est encore fécond, d’où a surgi la bête immonde, nous prévenait Brecht. Entre l’inconcevable barbarie d’hier et le dangereux oubli du passé, de la Shoah au programme Erasmus, comment conjurer nos démons et construire un monde meilleur pour nos enfants? Placer le sens de la vie au-dessus de la vie elle-même, voilà la leçon de Jorge Semprún. Que des camps de la mort aient pu ressortir pleins de vie de tels hommes et de telles femmes ne peut que nous redonner foi en l’humanité.
Critique de Jean-Pierre Martinez

Montage et réalisation : Franck Appréderis
Avec : Serge Barbuscia, Salvatore Caltabiano et Arnaud Appréderis
Conception techniques et images : Sébastien Lebert

Au Théâtre des Halles, rue du Roi René à Avignon 
Du 7 au 30 Juillet 2021 à 19 heures (Relâches les 13, 20 et 27)

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Par la voix du comédien Ivan Morane, c’est Joseph Kessel qui pendant plus d’une heure s’exprime à la première personne pour commenter le procès d’Eichmann, qu’il était chargé de couvrir en 1961 pour France Soir à Jérusalem. Et c’est sans doute ce qui donne une telle intensité dramatique à ce spectacle. Kessel, témoin oculaire de ce procès historique, nous transporte avec lui dans la salle d’audience pour assister en direct à l’interrogatoire par ses juges du principal organisateur de la solution finale. À travers les mots de Kessel, nous voyons apparaître comme un fantôme l’accusé dans sa cage en verre, et nous entendons les réponses hallucinantes qu’il apporte pour se justifier et pour tenter de se disculper. Une cage en verre. Transparente et blindée. Le symbole est fort pour évoquer la tragique impossibilité à comprendre et donc la difficulté à juger un tel monstre à qui on ne peut pourtant pas nier le statut d’homme, sauf à se déshumaniser soi-même. Apparente transparence car l’accusé accepte de s’expliquer sur tout et a réponse à tout. Blindage car il est à jamais enfermé lui-même dans ses mensonges absurdes. À entendre Eichmann, comme ses complices du procès de Nuremberg, il ne faisait qu’obéir aux ordres, et le seul coupable des horreurs perpétrées par le Troisième Reich était Hitler lui-même, soudain passé avec la défaite du statut de Dieu vivant pour ses adorateurs à celui de bouc émissaire post mortem. Et tous les autres seraient donc innocents. Comment les principaux dignitaires de l’Allemagne nazie ont-ils pu à ce point renier durant leurs procès leurs idéaux mortifères dans l’espoir insensé d’échapper à la mort ? Bien sûr, le spectateur ne trouvera pas la réponse dans ce spectacle. Et il sortira de la salle avec encore plus de questions. Mais en ces temps troublés, chacun sait que les réponses, surtout lorsqu’elles sont trop simples, sont beaucoup plus dangereuses que les questions, quand elles sont bien posées.
Critique de Jean-Pierre Martinez

D’après Le procès Eichmann à Jérusalem de Joseph Kessel
Adaptation, mise en scène et interprétation : Ivan Morane
Scénographie et lumière  : Ivan Morane,
Son Dominique Bataille
Texte publié dans l’ouvrage Jugements derniers 
Réalités/Compagnie Ivan Morane

Durée 1h20
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Théâtre L’Adresse, 2, avenue de la Trillade – Avignon
du 7 au 31 juillet à 14h00- Relâches : 12, 19, 26 juillet

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Une femme qui a dû quitter la petite ville où elle est née dans des circonstances dramatiques, après avoir souffert d’une injustice, y retourne à la fin de sa vie pour se venger. À l’époque, son premier amour l’a trahie en refusant de reconnaître l’enfant qu’il lui avait fait, et qu’elle a été contrainte à abandonner. Comme conséquence de ce traumatisme, elle a raté sa vie, mais elle a fait fortune. Une fortune qui lui a permis d’acheter littéralement la ville qu’elle estime responsable de son malheur. Il ne lui reste plus qu’à acheter aussi ses habitants, afin de les contraindre à lui livrer la tête de son ancien amant, après un simulacre de justice. Peut-on tout acheter, y compris la justice ? Et la vengeance peut-elle vraiment engendrer l’apaisement ? Ce sont notamment ces questions que pose la pièce de Dürrenmatt.
L’intérêt de ce spectacle, cependant, repose d’abord sur la mise en scène et l’interprétation. La gestuelle, les masques et les voix des comédiens confèrent à cette fable une dimension symbolique, pour revisiter un thème éternel : le pouvoir absolu de l’argent dans nos sociétés, l’absurdité de la jouissance qu’il procure à ceux qui le détiennent, pour en abuser, avec la servile complicité de ceux qui sont prêts à tout pour avoir quelques miettes. Une compagnie aux accents multiples, totalement engagée dans son art et dans son propos. Un spectacle à ne pas manquer.
Critique de Jean-Pierre Martinez

Metteur en scène : Mehdi Benabdelouhab
Interprètes : Valeria Emanuele, Laurence Landra, Mehdi Benabdelouhab, Facundo Melillo, Jean Bard

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du 7 au 30 juillet à 20h 
Atelier Florentin, 28, rue Guillaume Puy (Avignon)

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Un spectacle très rythmé, à la fois musical et théâtral, qui nous invite à revisiter un répertoire de chansons connues ou méconnues, tout en abordant avec légèreté et humour le thème éternel des relations dans le couple.
Sans jamais verser dans l’imitation, les deux interprètes nous proposent des arrangements très originaux, nous permettant ainsi de redécouvrir textes et mélodies des géants de la chanson, mais aussi quelques perles oubliées de la variété. Le tout savoureusement saupoudré d’irrésistibles parodies en play back de dialogues d’Autant en emporte le vent. Ce couple de comédiens et de chanteurs talentueux emporte la sympathie par sa virtuosité, son naturel et sa générosité. Une parenthèse enchantée et rafraîchissante dans la fournaise avignonnaise.
Notre premier vrai coup de cœur de ce Off 2021.
Critique de Jean-Pierre Martinez

Avec Dorothée Leveau, Anthony Alborghetti
Mise en scène et en chansons par Sylvain Richardot (Chanson Plus Bifluorée)

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Théâtre du Chêne Noir, 8 bis rue Sainte-Catherine (Avignon)
du 7 au 31 juillet à 12h – Relâches : 12, 19, 26 juillet

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Par leur distribution très nombreuse, les pièces de Shakespeare sont difficiles à représenter de nos jours. Il est alors parfois nécessaires, pour ne pas priver le public d’un tel répertoire, d’adapter ces chefs-d’œuvre en réduisant le nombre des personnages secondaires. Avec cette adaptation de La Mégère apprivoisée, Frédérique Lazarini a su trouver dans cette nécessité une source d’inspiration, en transposant l’action dans l’Italie des années cinquante, et en représentant quelques scènes de l’intrigue sur un écran de cinéma de l’époque. Ce décalage burlesque permet aussi de souligner le second degré de cette comédie légère de Shakespeare, qui autrement paraîtrait aujourd’hui par trop politiquement incorrecte, puisqu’il s’agit ni plus ni moins que de mater une femme rebelle, en lui infligeant toutes sortes de mauvais traitements, afin d’en faire une bonne épouse. Oui, dans cette comédie, Shakespeare se moque outrageusement des femmes et de leur désir d’indépendance, comme Molière le fera après lui dans nombre de ses pièces. Cela ne veut pas dire qu’il les méprise au point de ne les considérer que comme des animaux à dompter. Accordons en tout cas le bénéfice du doute à ce géant du théâtre, afin de ne pas le faire tomber de son piédestal. Au-delà de la virtuosité de la langue, le génie de Shakespeare, jusque dans ses tragédies, réside avant tout dans l’humour. Un humour qui est ici très bien rendu par ce parti-pris très créatif de mise en scène et par des comédiens de grand talent. À ne pas manquer.
Critique de Jean-Pierre Martinez

Mise en scène : Frédérique Lazarini
Interprètes : Delphine Depardieu, Cédric Colas, Pierre Einaudi, Guillaume Veyre, Maxime Lombard ou  Bernard Malaterre
Et à l’écran : Charlotte Durand-Raucher, Didier Lesour, Hugo Petitier, Jules Dalmas
Scénographie : François Cabanat
Costumes : Dominique Bourde
Film : Bernard Malaterre

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La Factory – 2-Salle Tomasi, 4 rue Bertrand – Avignon
du 7 au 14 juillet à 10h00 – Relâche : 12 juillet

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C’est l’histoire d’une fille. Une fille pas comme les autres. Comme beaucoup d’autres. Et qui comme toutes les autres doit au fil de sa vie jongler avec l’image qu’elle se fait d’elle-même et celle que les autres voudraient lui imposer. Un numéro d’équilibrisme périlleux mais drôlatique. À travers les multiples personnages qu’elle incarne sur scène, y compris elle-même, Mélodie Le Bihan nous raconte sa vie réelle ou fantasmatique, avec humour et impertinence. Avec ce récit de l’intime, elle parvient à toucher spectateurs et surtout spectatrices en leur montrant que finalement, elles ne sont pas les seules à ne pas être comme les autres. À voir surtout pour l’extraordinaire performance scénique de cette madame cent mille volts.
Critique de Jean-Pierre Martinez

Texte, conception et jeu : Mélodie Le Bihan
Collaboration artistique : Claire Pouderoux, Cécile Ghrenassia
Complicités : Lolita Bourdet, Aurélie Messié, Mademoiselle K
Créa lumière : Jérémy Rouselle

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